L'avventura del cinematografo. Storia di un'arte e di un linguaggio. Ediz. illustrata

Contenuti del libro

Riassunto Breve

Il cinema, fin dalle sue origini, si sviluppa da una tradizione di spettacoli visivi e attrazioni che affascinavano il pubblico, evolvendosi da semplici proiezioni di immagini in movimento a forme narrative complesse. Inizialmente, strumenti come la lanterna magica e il “Mondo nuovo” offrivano visioni suggestive, sempre accompagnate da un narratore che creava un legame diretto con gli spettatori. L’invenzione della fotografia migliorò la capacità di catturare la realtà, ma aprì anche la strada a manipolazioni e illusioni, mentre esperimenti come il fenachistoscopio esploravano l’illusione del movimento. La città stessa divenne un grande spettacolo, con la figura del “flâneur” che anticipava lo spettatore cinematografico.L’avvento del cinematografo dei fratelli Lumière segnò un punto di svolta, permettendo proiezioni pubbliche e collettive di scene di vita reale, che evocavano un senso di meraviglia e scoperta. Parallelamente, Georges Méliès esplorò il potenziale magico e trasformativo del cinema, creando mondi fantastici attraverso il montaggio. Mentre in America e in Inghilterra si iniziavano a sviluppare forme di racconto più strutturate, il cinema delle origini, definito “cinema delle attrazioni”, poneva l’enfasi sullo spettacolo visivo, arricchito dalla colorazione delle pellicole. La progressiva scomparsa del presentatore e la nascita di sale dedicate segnarono la transizione verso un cinema più organizzato.Il periodo tra il 1906 e il 1915 vide la nascita del cinema narrativo, con film che raccontavano storie in autonomia, rendendo lo spettatore partecipe diretto della narrazione. Questo cambiamento fu accompagnato dall’evoluzione del montaggio narrativo e analitico, con registi come D.W. Griffith che perfezionarono tecniche per immergere lo spettatore nella storia, scomponendo le scene in inquadrature più variegate e utilizzando il primo piano per la caratterizzazione psicologica dei personaggi. In Europa, si svilupparono generi come il film storico e d’arte, con opere imponenti e innovative come “Cabiria”. Negli Stati Uniti, la nascita di Hollywood e del “producer system” consolidò generi come il western e il comico, dando vita al fenomeno del divismo. Il cinema comico, in particolare, divenne un terreno fertile per l’esplorazione del linguaggio cinematografico, con Chaplin e Keaton che elevarono la comicità a forma d’arte.Le avanguardie artistiche del XX secolo influenzarono profondamente il cinema, spingendo verso la sperimentazione e la rottura con la tradizione. Il futurismo italiano esaltò il movimento e il montaggio, mentre in Russia registi come Dziga Vertov e Sergej Ejzenštejn svilupparono teorie sul montaggio per rivelare aspetti inediti della realtà e colpire emotivamente lo spettatore. Le avanguardie francesi, come il dadaismo e il surrealismo, esplorarono la soggettività e l’inconscio, creando opere visivamente scioccanti e simboliche. Il realismo poetico francese cercò di unire narrazione e poesia, mentre registi come Jean Vigo e Jean Renoir trovarono un equilibrio tra avanguardia e tradizione, influenzando il cinema moderno.Il cinema tedesco degli anni ’20, in particolare l’espressionismo, esplorò il sogno e l’incubo attraverso scenografie distorte e illuminazione drammatica, riflettendo il disagio sociale. Il Kammerspiel si concentrò sull’analisi psicologica, anticipando il cinema moderno. Figure come Murnau e Lang mostrarono la potenza visiva del cinema tedesco, influenzando generi futuri. In contrasto, il cinema narrativo classico hollywoodiano degli anni ’30 mirò a creare un’illusione di realtà attraverso una narrazione trasparente e standardizzata, rafforzata dall’introduzione del sonoro e da regole morali. La figura della star divenne centrale, creando un’immagine idealizzata.L’idea di autore nel cinema si è sviluppata in un contesto collettivo e produttivo, dove registi come John Ford trovarono la loro voce all’interno di schemi e generi, utilizzando il western per esplorare temi sociali e culturali. Orson Welles, con “Quarto Potere”, sfidò le convenzioni hollywoodiane, mettendo in primo piano il linguaggio cinematografico attraverso tecniche innovative. Alfred Hitchcock dimostrò come affermare la propria individualità attraverso uno stile distintivo, basato sulla suspense e l’ambiguità, esplorando il lato oscuro della psiche umana. Il contributo degli autori europei a Hollywood creò una “lingua franca” che fuse tradizione europea e narrazione americana. Il neorealismo italiano, emerso dopo la Seconda Guerra Mondiale, privilegiò la realtà cruda e gli errori stilistici per esprimere il caos del dopoguerra, spostando l’attenzione dall’inquadratura all’evento e influenzando profondamente il cinema mondiale. Roberto Rossellini, con film come “Viaggio in Italia”, mescolò narrazione e documentario, ponendo il paesaggio al centro della storia e invitando lo spettatore a costruire attivamente il significato.Il cinema moderno, a partire dalla Nouvelle vague francese, ha segnato una rottura con le convenzioni narrative e stilistiche, spostando l’attenzione dall’azione all’osservazione e all’analisi delle sfumature della vita. La narrazione classica è stata sovvertita, lasciando spazio a storie più complesse e personaggi ambigui. La Nouvelle vague ha posto l’accento sulla figura dell’autore e sul “metalinguaggio”, con registi che esplorano il cinema che parla di sé. L’uso di tecniche innovative come il *jump cut* e i movimenti di macchina audaci ha creato un nuovo modo di raccontare, più vicino alla realtà. Il cinema italiano ha visto registi come Fellini, Visconti e Antonioni sviluppare stili unici, esplorando il mondo dei sogni, affreschi storici e la solitudine. Il cinema moderno ha abbracciato una maggiore libertà espressiva, utilizzando la tecnologia per catturare la realtà in modo più diretto, portando a un cinema che non cerca l’illusione di realtà, ma la consapevolezza dello spettatore di trovarsi di fronte a un’opera d’arte.Il cinema contemporaneo, dopo la “New Hollywood”, ha visto una produzione di massa basata su effetti speciali e un ritorno alle favole, spesso con un disimpegno dalla realtà. Questo approccio, guidato da registi come Lucas e Spielberg, ha trasformato il cinema in una “fabbrica di ideologia” che mira a soddisfare i desideri del pubblico. La citazione cinematografica, nel cinema moderno con funzione critica, diventa un gioco fine a se stesso. L’estetica del remake crea un cinema autoreferenziale. Registi come David Lynch e Abel Ferrara rappresentano una corrente “disforica”, che esplora l’ambiguità e l’oscurità del mondo contemporaneo. La tecnologia digitale ha ulteriormente trasformato il cinema, permettendo la creazione di mondi virtuali e effetti speciali sofisticati, ma anche un realismo estremo con approcci come il Dogma 95. Il digitale presenta due direzioni opposte: una che abbraccia la falsificazione attraverso gli effetti speciali, e un’altra che esalta la coscienza attraverso un approccio più realistico, plasmando una nuova forma di rappresentazione dove il cinema si avvicina a una “visione totale”.

Riassunto Lungo

Le origini dello spettacolo visivo e il cinema

Dalla meraviglia ottica al racconto per immagini

Il cinema non è nato all’improvviso, ma si è sviluppato da una lunga tradizione di spettacoli visivi che erano molto popolari, soprattutto nelle città, a partire dall’Ottocento. Prima ancora che venisse inventato il cinematografo, esistevano già strumenti come la lanterna magica e il “Mondo nuovo”. Questi strumenti proiettavano o mostravano immagini in movimento, spesso con scopi educativi o per creare mondi fantastici. La lanterna magica, ad esempio, usava vetrini speciali per creare effetti visivi sorprendenti, mentre il Mondo nuovo permetteva di vedere immagini attraverso delle aperture in una scatola. Questi spettacoli erano sempre accompagnati da una persona che parlava, un narratore o imbonitore, che spiegava le immagini e creava un legame diretto con chi guardava.

L’influenza della fotografia e l’illusione del movimento

L’invenzione della fotografia ha rappresentato un ulteriore passo avanti, migliorando la capacità di catturare immagini molto fedeli alla realtà. Tuttavia, fin da subito, anche la fotografia è stata utilizzata per creare manipolazioni e illusioni, come nel caso delle sovrimpressioni usate per simulare la presenza di spiriti. Allo stesso tempo, si iniziavano a studiare le possibilità di creare l’illusione del movimento facendo scorrere velocemente una serie di immagini fisse. Questo avveniva con strumenti come il fenachistoscopio, e si studiavano anche i movimenti degli animali con la tecnica della cronofotografia.

La città come spettacolo e la nascita dello spettatore

La città stessa si trasformava in un grande spettacolo, con le vetrine dei negozi, i caffè e le esposizioni che offrivano una grande quantità di immagini. In questo ambiente è emersa la figura del “flâneur”, una persona che passeggiava osservando distrattamente la folla. Questa figura anticipa in un certo senso lo spettatore cinematografico, che si trova immerso in un mondo pieno di stimoli visivi.

Il cinematografo Lumière e la visione collettiva

Il cinematografo dei fratelli Lumière, pur essendo un’evoluzione di queste tecnologie, segna un momento fondamentale. A differenza del kinetoscopio di Edison, che offriva una visione solo per una persona alla volta, il cinematografo permetteva di proiettare film per un pubblico intero. Le prime “vedute” dei Lumière, come “L’arrivo del treno alla stazione della Ciotat”, mostravano scene di vita reale con una profondità di campo notevole, ma anche con un effetto quasi spettrale dovuto ai movimenti a scatti. Questi film, spesso girati da operatori che viaggiavano, catturavano immagini da tutto il mondo, alimentando il desiderio di conoscere e la sensazione di poter dominare l’universo, come nel progetto di Albert Kahn di creare un archivio visivo globale.

Georges Méliès e il cinema come magia

Georges Méliès, invece, ha esplorato il potenziale del cinema come strumento di magia e trasformazione. Ha utilizzato il montaggio per creare effetti di cambiamento rapido e mondi fantastici, come nel famoso film “Viaggio sulla Luna”. Il suo modo di fare film, con inquadrature fisse e una narrazione divisa in “stazioni” o scene, si concentrava sullo spettacolo e sull’attrazione, piuttosto che sulla continuità della storia. Nello stesso periodo, in Inghilterra e in America, si iniziavano a sviluppare forme di racconto più organizzate, con una morale e una progressione della trama, come nel genere dell'”inseguimento” (chase), che pose le basi per il cinema narrativo classico.

Il “cinema delle attrazioni” e la sua evoluzione

In questa fase iniziale, il cinema è stato definito “cinema delle attrazioni”, dove l’attenzione era rivolta principalmente a mostrare immagini in movimento, spesso con l’aiuto di un presentatore. La colorazione delle pellicole, ottenuta con viraggi o dipingendo a mano, aggiungeva un ulteriore elemento di attrazione. Con il tempo, il presentatore è diventato meno importante e sono nate sale cinematografiche dedicate. Questo ha trasformato il cinema da uno spettacolo itinerante e artigianale a un’istituzione più organizzata, segnando la fine di un’epoca e l’inizio di una nuova forma di narrazione.

Considerando la transizione dal “cinema delle attrazioni” al cinema narrativo, non si rischia di sottovalutare il valore intrinseco dello spettacolo visivo fine a sé stesso, riducendolo a mero precursore di una forma “superiore” di narrazione?

Il capitolo traccia un percorso evolutivo che, pur corretto, potrebbe implicare una gerarchizzazione implicita tra le diverse forme di espressione cinematografica. L’enfasi sulla narrazione classica e sulle sale dedicate potrebbe oscurare il potenziale espressivo e la specificità del cinema delle attrazioni, che aveva un suo pubblico e una sua logica comunicativa. Per comprendere appieno questa transizione e le sue implicazioni, sarebbe utile approfondire gli studi sulla semiotica del cinema e sulla ricezione del pubblico nelle diverse epoche. Autori come André Bazin hanno offerto riflessioni fondamentali sulla natura del cinema e sulla sua evoluzione, mentre studi più recenti sulla storia sociale del cinema potrebbero fornire un quadro più completo delle diverse forme di fruizione e del loro significato culturale.

1. L’Evoluzione del Cinema: Dal Cinematografo al Cinema Narrativo

La Transizione verso il Cinema Narrativo

Il periodo tra il 1906 e il 1915 segna un momento cruciale nella storia del cinema, il passaggio dal “Cinematografo” al “Cinema” vero e proprio, con la conseguente nascita del cinema narrativo. Inizialmente, il cinematografo si limitava a illustrare storie già conosciute, affidandosi a presentatori esterni per spiegare gli eventi. Il nuovo cinema, invece, inizia a raccontare storie in modo autonomo, ponendo lo spettatore in un rapporto diretto con la macchina da presa. Questa trasformazione non è stata immediata; la voce del presentatore è rimasta presente attraverso le didascalie, ma è con l’avvento del sonoro che questa evoluzione si è completata, consolidando il nuovo mezzo espressivo.

Il Cinema come Spettacolo Popolare e le Nuove Forme di Narrazione

Il cinema è emerso come uno spettacolo popolare destinato a una nuova classe sociale, quella dei lavoratori. Dopo una fase iniziale di crisi, il cinematografo si è reinventato offrendo storie inedite e contenuti sempre più coinvolgenti, adattandosi ai gusti di un pubblico che frequentava teatri e luoghi di intrattenimento. La produzione cinematografica ha saputo adeguarsi, sperimentando con diversi generi come il western, il melodramma e il comico. Lo stile si è rinnovato con l’introduzione del montaggio narrativo e analitico. Questo nuovo approccio, spesso associato a registi come Griffith, prevedeva la scomposizione delle scene in inquadrature più brevi e variegate, con l’obiettivo di immergere completamente lo spettatore nella narrazione.

Le Prime Organizzazioni e i Generi Nazionali

In Europa, figure come Charles Pathé hanno organizzato circuiti di sale cinematografiche, mentre in Francia è nato il cinema d’arte con la Film d’Art, che portava sul grande schermo opere letterarie interpretate da attori teatrali. In Italia, si sono sviluppati generi come il film storico e in costume, con opere di successo come “La presa di Roma” e “Quo Vadis”. Questi film hanno ottenuto un vasto consenso grazie a scenografie imponenti e scene di massa spettacolari. Un esempio particolarmente significativo è “Cabiria” di Giovanni Pastrone, un film visionario e grandioso che ha anticipato il genere colossale-catastrofico, distinguendosi per movimenti di macchina innovativi e un uso espressivo del colore.

D.W. Griffith: Innovatore del Linguaggio Cinematografico

Negli Stati Uniti, D.W. Griffith è una figura centrale in questa evoluzione del cinema. Con film come “Nascita di una nazione” (1915), Griffith ha perfezionato il montaggio narrativo, utilizzando il primo piano per esplorare la psicologia dei personaggi e sviluppando tecniche di raccordo fondamentali come il montaggio sull’asse, di sguardo e di movimento. Il suo approccio ha privilegiato la narrazione, contribuendo a creare un linguaggio cinematografico unitario e potente. Successivamente, con “Intolleranza” (1916), Griffith ha esplorato forme narrative più complesse, alternando storie diverse per veicolare un messaggio morale e politico, segnando così la nascita del cinema didattico e filosofico.

Hollywood, il Divismo e il Cinema Comico

Il cinema americano si è distinto per un montaggio analitico e un ritmo veloce, mentre il cinema europeo tendeva a privilegiare la profondità di campo e tempi più dilatati, favorendo un approccio più contemplativo e pittorico. La nascita di Hollywood e del “producer system” ha segnato l’ascesa dei produttori e lo sviluppo di generi consolidati come il western e il comico, con la creazione di figure iconiche come Tom Mix. Parallelamente, è emerso il fenomeno del divismo, che ha dato vita a miti e icone culturali. Il cinema comico, in particolare quello di Mack Sennett, con le sue gag slapstick e il suo umorismo anarchico, è diventato un vero e proprio laboratorio per il linguaggio cinematografico, esplorando le potenzialità del montaggio e degli effetti speciali.

Maestri della Comicità e Visioni Autoriali

Charlie Chaplin e Buster Keaton hanno elevato il genere comico, trasformando la risata in una forma d’arte sofisticata. Chaplin ha introdotto un montaggio rapidissimo, mentre Keaton ha sperimentato con un cinema quasi astratto, basato sulla logica visiva e le analogie. Erich von Stroheim, invece, ha portato avanti una visione del cinema come arte grandiosa e realistica, utilizzando la profondità di campo per creare metafore visive. Ha sfidato le convenzioni sociali e produttive con la sua cruda rappresentazione della realtà e della sessualità, lasciando un’impronta indelebile nel panorama cinematografico.

Se il cinema narrativo ha completato la sua evoluzione con l’avvento del sonoro, come si può sostenere che il montaggio narrativo e analitico, perfezionato da Griffith con tecniche come il primo piano e i raccordi, abbia contribuito a creare un linguaggio cinematografico unitario e potente già prima dell’introduzione del suono?

Il capitolo suggerisce una transizione completa con il sonoro, ma contemporaneamente esalta le innovazioni del cinema muto, creando una potenziale contraddizione temporale e concettuale. Per chiarire questa apparente discrasia, sarebbe utile approfondire la natura stessa del “linguaggio cinematografico” e come esso si sia sviluppato in modo indipendente dalle innovazioni sonore. Si potrebbe esplorare il lavoro di teorici del cinema muto che hanno analizzato le capacità narrative e espressive del montaggio e della composizione dell’inquadratura prima dell’avvento del sonoro. Autori come Eisenstein, con le sue teorie sul montaggio delle attrazioni, o Bazin, con la sua difesa del cinema come “scultura nel tempo” e l’importanza della profondità di campo, potrebbero offrire prospettive complementari per comprendere l’autonomia e la potenza del linguaggio cinematografico muto.

L’Arte del Cinema tra Rivoluzione e Nuova Visione

Futurismo e Avanguardie Europee: La Rottura con la Tradizione

Il cinema, nel suo sviluppo, ha visto emergere correnti artistiche che hanno trasformato il modo di concepire e realizzare film. Il futurismo italiano, ad esempio, ha visto nel cinema un mezzo per rompere con la tradizione, esaltando il movimento e il montaggio come strumenti di rinnovamento, proponendo un cinema “antigrazioso, deformatore, impressionista, sintetico, dinamico”. Questa spinta verso la modernità e la sperimentazione ha influenzato le avanguardie europee, che hanno cercato nel cinema un linguaggio nuovo, capace di esprimere la complessità del mondo moderno, spesso ispirandosi alla macchina e alla velocità.

Il Cinema Russo: Rivoluzione, Straniamento e Montaggio

In Russia, la rivoluzione ha agito da catalizzatore per un cinema che mirava a trasformare la società e l’arte. Teorici come Viktor Šklovskij hanno introdotto concetti come lo “straniamento” e il primato della forma, influenzando registi come Dziga Vertov, che con il suo “cine-occhio” ha esplorato le potenzialità del montaggio per rivelare aspetti inediti della realtà. Sergej Ejzenštejn ha ulteriormente sviluppato queste idee con il “montaggio delle attrazioni” e il “cine-pugno”, mirando a un cinema che colpisse emotivamente lo spettatore, trasformando ogni inquadratura in un’esperienza intensa.

Avanguardie Francesi: Dadaismo e Surrealismo

Le avanguardie francesi, invece, hanno esplorato la connessione tra soggettività e oggettività, con movimenti come il dadaismo e il surrealismo. Il dadaismo, con la sua natura anarchica e ludica, ha portato a film come “Entr’acte” di René Clair, che celebrava la libertà delle immagini e la gioia di guardare senza un senso narrativo predefinito. Il surrealismo, invece, ha scavato nell’inconscio e nel sogno, con opere come “Un chien andalou” di Buñuel e Dalí, che hanno ridefinito la percezione visiva attraverso immagini scioccanti e simboliche, ponendo l’occhio al centro della loro poetica.

Realismo Poetico e Nuove Tendenze: Dalla Soggettività alla Realtà

Parallelamente, il “realismo poetico” francese ha cercato di unire la narrazione con la poesia, esplorando la soggettività attraverso l’uso del primo piano e del paesaggio, come in Jean Epstein e Carl Theodor Dreyer. Registi come Jean Vigo hanno trovato un equilibrio tra avanguardia e tradizione, creando opere che univano realismo e fantasia, mentre Jean Renoir ha celebrato la vita quotidiana e la natura con il suo “piano-sequenza”, influenzando profondamente il cinema moderno. Anche il documentario, con figure come Robert Flaherty e Jean Epstein, ha rivelato la sua capacità di unire osservazione e interpretazione poetica della realtà.

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Se il cinema moderno abbandona l’illusione di realtà per frammentare tempo, spazio e identità, come possiamo affermare che registi come Ozu o Bresson, noti per la loro precisione e controllo formale, rientrino in questa categoria, e non piuttosto in una continuazione o evoluzione del classicismo, seppur con nuove sensibilità?

Il capitolo elenca una serie di registi come contributori al cinema moderno, ma la categorizzazione di alcuni di essi, come Ozu e Bresson, potrebbe beneficiare di un’ulteriore chiarificazione riguardo ai criteri specifici che li allineano a un “abbandono dell’illusione di realtà” e a una “frammentazione”. La loro apparente aderenza a una forma più controllata e meno esplicitamente “frammentata” rispetto ad altri citati potrebbe generare perplessità. Per approfondire la comprensione di come questi maestri si inseriscano nel quadro del cinema moderno, sarebbe utile esplorare studi critici che analizzino in dettaglio le loro tecniche narrative e stilistiche in relazione ai concetti di soggettività, tempo e spazio esplorati dalla filosofia e dalla letteratura, come suggerito nel capitolo stesso. Autori come André Bazin o i critici della “nouvelle vague” potrebbero offrire prospettive illuminanti su come questi registi abbiano effettivamente sovvertito o re-immaginato le convenzioni narrative tradizionali, anche attraverso un approccio apparentemente più misurato.

4. Dalla Favola Digitale alla Visione Cruda

L’era dei blockbuster e la favola digitale

Dopo la “New Hollywood”, il cinema ha virato verso una produzione di massa dominata dagli effetti speciali e da un ritorno alle favole, allontanandosi spesso dalla realtà. Registi come Lucas e Spielberg hanno trasformato il cinema in un mezzo per diffondere idee, puntando a soddisfare i desideri del pubblico e riducendo lo spettatore a un semplice consumatore. Questa fase, definita “terza Hollywood”, è caratterizzata dall’ampio uso del merchandising e dei blockbuster, dove la pubblicità assume un’importanza maggiore rispetto ai costi di produzione.

La citazione cinematografica e il cinema autoreferenziale

In questo scenario, la citazione cinematografica, che in passato aveva una funzione critica, si trasforma in un gioco fine a se stesso, un omaggio fine a se stesso. L’estetica del remake, ad esempio, richiede una conoscenza pregressa di altri film per essere pienamente apprezzata, dando vita a un cinema autoreferenziale che si nutre di se stesso. Blade Runner viene considerato un film di confine, capace di unire elementi moderni e postmoderni, dimostrando come la citazione possa diventare uno stile distintivo.

La corrente “disforica” e l’indagine della realtà

Parallelamente, registi come David Lynch e Abel Ferrara rappresentano una corrente cinematografica “disforica”, in contrapposizione all’euforia postmoderna. Le loro opere esplorano l’ambiguità, l’incertezza e l’oscurità del mondo contemporaneo, mettendo in discussione la natura stessa della realtà e dell’identità. Per questi autori, l’immagine non è un semplice gioco, ma un enigma complesso da indagare con attenzione.

La trasformazione digitale del cinema

La tecnologia digitale ha ulteriormente modificato il panorama cinematografico. Da un lato, ha reso possibile la creazione di mondi virtuali e di effetti speciali sempre più avanzati, come si vede in Matrix, dove l’illusione della realtà viene deliberatamente smascherata. Questo porta a una “visione senza sguardo”, in cui le immagini acquisiscono una propria autonomia e il tempo stesso viene manipolato. Dall’altro lato, il digitale viene impiegato anche per ottenere un realismo estremo. Esempi di questo approccio si trovano nel movimento Dogma 95 o nei lavori di Sokurov, che esplorano il corpo umano con una crudezza inedita, oppure in film che simulano riprese amatoriali per creare un’illusione di autenticità.

Due direzioni del cinema digitale

Il cinema digitale si muove dunque lungo due direzioni opposte: una che abbraccia la falsificazione e la potenziale distruzione della coscienza dello spettatore attraverso gli effetti speciali, e un’altra che valorizza la coscienza e lo sguardo attraverso un approccio più realistico e investigativo. Queste due tendenze stanno definendo una nuova forma di rappresentazione, in cui il cinema si svincola dalle limitazioni teatrali per avvicinarsi a una “visione totale”, segnando forse l’avvento di un nuovo “Mondo delle immagini”.

Se il cinema digitale si divide tra chi abbraccia la falsificazione e chi la realtà, non si rischia di creare una frattura insanabile nella percezione dello spettatore, delegittimando di fatto ogni forma di narrazione visiva?

Il capitolo presenta una dicotomia netta tra la “falsificazione” digitale e la ricerca del realismo, senza però esplorare a fondo le implicazioni di questa polarizzazione sulla capacità dello spettatore di discernere la verità o di costruire un rapporto critico con le immagini. Manca, ad esempio, un’analisi più approfondita del ruolo della “visione senza sguardo” e di come questa possa influenzare la coscienza. Per comprendere meglio queste dinamiche, sarebbe utile approfondire la semiotica delle immagini, magari consultando opere di autori come Roland Barthes o Umberto Eco, e indagare le teorie sulla percezione visiva e l’impatto psicologico degli effetti speciali. Inoltre, un’analisi comparativa tra le strategie narrative di registi come Lynch e quelle di autori più orientati al realismo digitale potrebbe offrire spunti preziosi per rispondere a questa domanda.

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L’avventura del cinematografo. Storia di un’arte e di un linguaggio. Ediz. illustrata